Kategorie: Film

„Die Nacht ist auf den Hund gekommen. Es gibt keine Nacht mehr. Jede Menge Andeutungen, aber was sind Andeutungen gegen Nächte? Hören Sie doch auf zu wischen.“ – Phillip Winter

„In Wahrheit sind wir alle wiedergekommene Verschwundene, wissend, daß wir hier so ziemlich… hoppla.“ – Phillip Winter

„Da hinten ist das, wo wir hinwollen.“ – Wim Wenders

Impressionen zur Wim Wenders-Werkschau in der ARD-Mediathek. Exzerpte aus 111 Lieblingsfilme, Kommentarsektion

Über „Paris, Texas“: hier

Über „Der amerikanische Freund“: hier

18.07.2020

ray05:

Eine Wenders-Retrospektive ist zugänglich gerade in der Mediathek des Ersten. Stehe gerade bei „Paris, Texas“, der Streifen ist womöglich besser noch als wir ihn je hielten. Handkes „Linkshändige Frau“ sah ich gestern überhaupt zum ersten Mal, die Zeit wird sicherlich kommen, in der so ein Kunstwerk mal adäquat gewürdigt werden kann mit Worten. „Die Angst des Tormanns“ gefällt mir immernoch gut in jedweder Hinsicht, „Der Amerikanische Freund“ ist in meinen Augen heute ein unsterbliches Meisterwerk, wie konnte ich das je missachten. Geh jetzt direkt auf den Himmel/Berlin-Komplex zu, Gott sei meiner lieben Seele gnädig. :)

Antirationalistischer Block / Christian Erdmann:

„Paris, Texas“ und „Der Himmel über Berlin“ hattest Du ja schon zielsicher in Deinen 111. „Die linkshändige Frau“ sah ich auch noch nie, das wird sich nun ändern. „Alice in den Städten“ noch zu Schulzeiten mehrmals in Programmkinos gesehen. „Im Lauf der Zeit“ zuletzt in einer heißen Sommernacht im TV, 2015. Kinoprojektoren reparieren im Zonenrandgebiet, eigentlich Traumjob prä-Strumpfnahtgeraderücker im Pariser Lido. Rüdiger Vogler. Hanns Zischler, der mal ein Buch über Kafka geschrieben hat.

Orte und Entortetsein. Am falschen Ort sein und den richtigen Ort suchen. Unterwegssein, zerbrochene Träume, wiedergefundene Träume. Träume. Am anderen Ende der Welt bin ich mal zu einer Handleserin gegangen, sie hieß Ruth. Sie sagte mir, „You travel a lot, and you will travel a lot, but you don’t travel blindly, you go with a purpose.“ Travel / finding a purpose. Und dabei: Obsession mit Rock’n’Roll und seiner Bedeutung. Musik als plot development. Als Begleitstimme des Schicksals, vgl. „From Her To Eternity“, Damiel, Marion. Such a dear man, Wenders. Daß „La sirène du Mississipi“ auch der liebste Truffaut-Film von Wenders ist, hielten wir hier ja schon fest, und bringt ihn an den Rand der Unfehlbarkeit. :)

„Bis ans Ende der Welt“. Einer dieser Filme, den alle hassen oder mißlungen finden, und ich finde ihn phantastisch. Gerade ausgekramt, was ich 2010 schrieb auf SPON:

„Ich fand schon die Kinofassung klasse, schon, weil Wenders sich so furchtlos mit fast jedem Bild dem Unglaublichen nähert. Es war in den 90ern opportun, Wenders und Herzog hierzulande zu bashen, vielleicht gelingt es ja in den Zeiten von Zweiohrküken und Einsacktüten, auch Wenders über das Renommee, das er ebenso wie Herzog im Ausland genießt, auch hier wiederzuentdecken, über Herzog-Filme fällt einer neuen Generation schon längst die Kinnlade runter. Die Protagonistin aus ‚Bis ans Ende der Welt‘ heißt Claire Tourneur – Hommage an den genialen Jacques Tourneur, Regisseur u.a. eben des ‚Cat People‘-Originals. Gespielt wird sie von Solveig Dommartin, die ja auch in ‚Der Himmel über Berlin‘ erschien, und die leider Anfang 2007 verstorben ist.“

Zum ersten Mal eines Nachts in Dänemark gesehen, mir unvergeßlich die Euphorie, als am Ende die Musik von U2 einsetzt und die Credits durchrauschen. Wollte immer schon die 100-Stunden-Langfassung sehen, und jetzt bringst Du mich da hin. Love you, man. :)

19.07.2020

ray05:

Mein cineastischer Traum ist: Wenders, Herzog und Jarmusch verfilmen parallel Kafkas Schlossroman. Die Werke werden dann weltweit einen Monat lang konkurrenzlos in den Kinos gezeigt, täglich abwechselnd. Dann können die Leut‘ sich mal über was Or’ntliches die Köpfe heißreden und produzieren nicht mehr ihren üblichen Scheiß. :) – Alle drei sind ja absolute Großmeister im genauen Austarieren von Weltwissen und Heilswissen, sie rechnen – so mein Eindruck – stets mit dem namenlosen Reisenden, der plötzlich an der Tür klopft und dem du stumm eine Mahlzeit bereitest. Das ist die Story. In meinem Kopfkataster stehen Jarmusch, Wenders und Herzog nebeneinander, flankiert von Antonioni und Godard. Dieser Komplex des zugleich skrupulösen und intuitiven Weltbildererfindens hat mich geprägt, das kann ich heute sagen. Ein komplettes Wunderwerk sind die ersten 40 Minuten von „Falsche Bewegung“. HC Blech, Nastassja Kinski („Mignon“) und Vogler („Wilhelm Meister“) im Bahnabteil, und auf der Parallelstrecke verfolgen wir mit Vogler den Zug mit Schygulla am Abteilfenster. Das ist mehr als genial gemacht, das ist überhaupt keine „Mache“, die Szenenfolge rührt intuitiv und locker ausgreifend an voraristotelische Dinge. Es ist schwer, über Wenders zu reden, so wie es schwer ist, über seinen eigenen großen Bruder zu reden.

Christian Erdmann:

Ein Malerfreund und ich erörtern immer, wenn wir uns auf der Straße begegnen, Pläne zur Weltverbesserung, über unseren Köpfen eingeblendeter Titel: Die wohlwollenden Diktatoren. Der Plan, die drei Verfilmungen von „Das Schloß“ einen Monat lang alternativlos aufzuführen, ist jedoch unübertrefflich in seiner despotischen Philanthropie. :)

Traumprojekt, ernsthaft. Stach spricht bei K. / Das Schloß von „Da ist nur ein Mann, der mit unbegreiflicher Beharrlichkeit versucht, in einem Dorf Fuß zu fassen.“ Großmeister die drei tatsächlich auch im Vorstellen dieser unbegreiflichen Beharrlichkeit. „Die Unenträtselbarkeit des Nicht-Untergehns“ (Kafka). People are strange when you’re a stranger. Dem Schloß näherkommen, Annäherung an ein Absolutes, das verborgen bleibt, Mächte, die mächtig sind, ohne sich zu zeigen, Sein, Identität, Glück, Erlösung, alles muß Mächten entrissen werden, irgendein Graf Westwest hat aristotelische Rationalisierungen überlebt, irgendein Deus absconditus hat das Buch der Liebe geschrieben.

„Die Oma wohnt gar nicht in Wuppertal.“ Gestern nacht also meine Dir verdankten Wenders-Festspiele begonnen mit „Alice in den Städten“, zum ersten Mal wiedergesehen nach 156 Äonen. Wie unsentimental dieser Film. Das Italienische Eiscafé beschwor meine Kindheit in Schwarzweiß, direkt daneben hätte das Metropol-Kino in Remscheid stehen können, in dem ich Barbara Steele verfiel, mit 7 oder so. Rüdiger Vogler, verbindungsloser Outsider, seine leicht schnöselige Verschrobenheit, still belustigt und troubled. In irgendeiner internationalen Produktion, in der er sich selbst synchronisiert mit seiner unverwechselbaren Stimme und Diktion (hab vergessen was, spielt er irgendwo einen König oder so?), sagt er „Potzblitz! Das ging schnell.“ Immer, wenn ich „Potzblitz!“ sage oder denke, ist es quasi Rüdiger Voglers Stimme. Alice: „Traum. Solche Sachen gelten nicht. Nur Sachen, die es wirklich gibt.“ Alice stellt auch die Frage, die ein Teil von mir eigentlich jederzeit und überall stellt: „Warum ist hier eine andere Zeit?“ Heute nacht „Falsche Bewegung“, hopefully.

21.07.2020

ray05:

Die ersten knapp drei Stunden von „Bis ans Ende der Welt“ gerieten heute nacht zum beinharten Exerzitium, weil dieses Springen von Kontinent zu Kontinent mir vorderhand unzureichend motiviert schien, weil halt allzu lange im Dunkeln blieb, worauf der Sohn des Erfinders hinauswollte. Im Moment des Erscheinens von Jeanne Moreau und Max von Sydow im australischen Busch änderte sich dies schlagartig. Fühlte mich erinnert an die Rezeption von „Faust II“, in dem auch der Nachvollzug der vielen Etappen langwierig schwer wurde, bis dann endlich Philemon & Baucis auftraten an ihrem Deich und sich der Komplex zu fügen begann. Werde mir die ersten zwei Drittel nochmals ansehen müssen. :)

Übrigens nahm Wenders mit der Darstellung von Claires Suchtverhalten bzgl. ihres kleinen Traumreproduktionsrechners die Smartphonesucht von heute um zwanzig Jahre vorweg. Eine 18jährige, der man das Smartphone wegnimmt, wird kaum anders reagieren als Claire im Wendersfilm. Ja, am Anfang war das Wort, aber der Schriftsteller schreibt seine Geschichte rekapitulierend vom Ende her. Gerne hätte ich noch ein Stündchen dabei zugesehen wie er Claire von der Traumtechnobildersucht befreit durch Re-Alphabetisierung, aber der Schluss ist natürlich großartig: das Buch erscheint und alle sind glücklich, in Raumstation und auf Erden. :)

Christian Erdmann:

„Falsche Bewegung“ funktioniert tatsächlich genau wie ein Roman aus dem 19. Jahrhundert, in dem es lange Abschweifungen gibt, theoretische Erörterungen und Dialoge, von denen eine bestimmte Art von Lesern behauptet, daß sie den Plot nicht voranbringen. Dabei gehören sie natürlich konstitutiv zum Plot. Völlig unmöglicher Film eigentlich, diese Charaktere aus Wilhelm Meister-Zeit, die in Bonn das Sternhotel verlassen und den Mauspfad hochspazieren. Und dabei nur noch ein paar hundert Meter entfernt sind übrigens von „Aljoschas Ankunft in B*** vollzog sich kurz vor Mitternacht.“

Peter-André Alt bemerkt irgendwo zu „Das Schloß“, daß es eine Reihe von „handwerklichen Unebenheiten, Abstimmungsfehlern und Versehen“ gibt. Das kann man natürlich so formulieren für ein, technisch gesehen, Fragment gebliebenes Werk, das trotzdem ein unangreifbares Meisterwerk ist. Vielleicht gehören diese scheinbaren Aussetzer schöpferischer Macht aber einfach zum Abbild einer Wirklichkeit, die nicht den Gesetzen von Logik und Linearität gehorcht, in der das Sinnhafte ständig abbricht usw. So sie stehenbleiben als ungewollt Gewolltes, sind sie doch wieder etwas anderes als „Aussetzer“. In „Falsche Bewegung“ verspricht sich Hanna Schygulla an einer Stelle, als sie zu Vogler sagt: „Deine läch… deine sachliche Miene ist nämlich sehr lächerlich.“ Diese Momente scheinen awkward, Wenders läßt sie stehen, weil in ihnen das Leben selbst sich offenbart. Auch darin ist er sehr furchtlos. Zumindest in seinen frühen Filmen gibt es diese Momente des Nichtschauspielerhaften der Schauspieler.

Ich dachte, ich hätte den Film vor langer Zeit schon gesehen, aber nein, ich kannte ihn gar nicht. Oh, ja, diese Zugfahrt, Vogler, HC Blech, Nastassja Kinski, im Parallelzug Hanna Schygulla. Blechs Nasenbluten, sein leicht unheimliches Lächeln, das ist schon recht nah am Slapstick des Unverständlichen bei Kafka. Nastassja Kinski, die Jongleuse, die nicht jonglieren kann. Wunderbar die Szene, in der sie Vogler / „Wilhelm“ beim Lesen des „Taugenichts“ zusieht, als würde er ihr vorlesen.

„Die Rückkehr der reitenden Leichen“ im Glückstadter Kino. „Ich möchte etwas schreiben, das ganz und gar notwendig ist.“ Die Einsamkeit in Deutschland immer maskiert „mit all diesen verräterisch entseelten Gesichtern“. Hanna Schygulla zwischen „Dir ist so vieles fremd. Das gefällt mir an dir.“ und ihrem Schauder davor, daß Wilhelm sich von nichts berühren läßt. Existentieller Romantizismus ohne Romantik.

Sah dann gestern abend, weil schon Wenders-süchtig, „Tokyo-Ga“, auch zum ersten Mal. Das Gespräch mit Ozus langjährigem Kameramann endet genau so bewegend, wie man sich das Gespräch mit Ozus langjährigem Kameramann vorstellt, dieses respektvolle Weinen, damn. Schön auch der Kurzauftritt von Werner Herzog, der von der Schwierigkeit spricht, in dieser „beleidigten Landschaft“ noch Bilder zu finden, Bilder, die rein und klar sind. A true Wernerism. Ach, und wie Atsuta, der Kameramann, erzählt, wie sie die Locations immer auf langen Fußmärschen gesucht haben, woraus sie dann irgendwann den Witz gemacht hätten: „Motivsuche dauert so lange, bis man umkippt.“ So mittelwitzig, der Witz, aber in seiner Mittelwitzigkeit wieder sehr witzig. – Dann 1,5 Stunden „Bis ans Ende der Welt“, parallel zu Deinem Exerzitium. :) Aber ich muß nochmal von vorn anfangen, ich kann nicht fassen, wie unfaßbar gorgeous die 4-K-Restaurierung aussieht, was jedes Bild da hergibt, ich war nach anderthalb Stunden völlig fertig. :)

Ja, Wenders hat eine ganze Menge vorweggenommen, non? Satelliten-Navigation fürs Auto mit Frauenstimme. :) Rüdiger Vogler wieder (wie in „Alice“) mit Kopfschmerzen im Flugzeug die Stewardess um Aspirin bittend, Werkschau-Binge hilft doch sehr, die Querverbindungen im Werk zu erkennen. :)

Die Macht des Unterwegsseins, die Macht der Bilder, die Macht von Geschichten, die Macht der Obsession.

SEEING THINGS.

Die Macht der Musik. Wenders hat damals die Künstler darum gebeten, ihre Musik 10 Jahre in die Zukunft zu projizieren. Patti Smith hat das hingekriegt. :)
Hab gelesen, daß Wenders nach einer Aufführung der Langfassung von „Until The End Of The World“ im Museum of Modern Art in New York 2015 standing ovations & cheers entgegennehmen durfte. Das wärmt mir das Herz.

23.07.2020

ray05:

Der schönste Wernerismus ist ja „Also ich zieh mir erstmal die Schuhe aus, denn so eine Frage kann man nur ohne Schuhe beantworten“. Gesagt, getan; „Chambre 666“. Herzog ist auch der einzige der vielen befragten Filmemacher, der autoritativ die Flimmerkiste ausmacht neben sich. :) – Von den non-fiction works ist „Tokyo-Ga“ sicherlich derjenige, der am ehesten ein Essayfilm ist in der Tradition von Chris Marker, und nicht umsonst kommen Marker (und auch Herzog) vor in diesem Film. Klasse sind ja auch die wundersamen Sequenzen aus der Manufaktur für Speisen-Attrappen. Vielleicht der „dialektischste“ Film von Wenders. Leider hat er nicht erkannt, dass die speziell japanische Adaption des Golfspiels der uralten Tradition der vielfältigen Konzentrations- und Meditationsübungen dienstbar gemacht wurde, also kulturell einverleibt, es geht tatsächlich nicht ums Einlochen. – Non-fiction days: ich bin gleich weitergegangen zu den „klassischen“ Dokumentarfilmen. „Buena Vista Social Club“ hat vermutlich mehr getan für die kubanische Tourismusindustrie als alles andere. Der Streifen gefällt mir immernoch sehr gut, aber mit den heutigen Augen kann ich auch die damalige Leftwing-Kritik ansatzweise nachvollziehen, die ja einen „kolonialistischen Blick“ am Werke sah. Wie auch immer, jedenfalls kommt Wenders in diesem Film dem verwandten „touristischen Blick“, den er ja mal als „tödlich“ bezeichnete, gefährlich nahe. – Dann „Pina“: Nummer 112. Hier ist Wenders der beste Wenders, womöglich ist „Pina“ der Scheidepunkt von mittlerem und Spätwerk. Der Auftakt mit „Sacre“ ließ mir schon Wasserfontänen aus den Augen schießen, und auch im weiteren Verlauf trat kaum Beruhigung ein.

25.07.2020

Christian Erdmann:

Wasserfontänen aus den Augen bei „Sacre“ in „Pina“ und auch weiterhin kaum Beruhigung, sagst Du. Es ist einfach so, daß Wenders, wie David Lynch, wenn auch ganz anders, dich, deine Psyche, dein Herz, dein Unbewußtes auf eine Weise ansprechen kann, die Sturzbäche auslöst. Seine Waghalsigkeit kann mißglücken, maybe sometimes he tries too hard, I don’t know. Nach „In weiter Ferne, so nah!“ verlor ich Wenders aus den Augen, ich sah noch „The Million Dollar Hotel“ und „Palermo Shooting“, aber ich drang nicht mehr durch zu der Magie, vielleicht war da auch keine. Weiß noch, daß Du und Monika schon zu SPON-Zeiten „Pina“ sehr geliebt habt. Und daß Ihr Pina sehr geliebt habt. Habe ja eher klassisches Ballett und die Neumeier-Werke in meiner DNA, Nijinsky-Obsession und vor allem meine ewige Faszination mit „Sacre“, -> so gespannt schon auf „Pina“.

Chambre 666, bester Wernerismus, ja. :) Im Grunde hätte er die Frage auch beantworten können mit: ich habe gerade „Fitzcarraldo“ gemacht, wovor sollte ich Angst haben. – Cannes, Mai 1982, Fassbinder auch zu sehen, das kann doch nur ganz wenige Tage vor seinem Tod sein. – Godard: Film heißt, das Unglaubliche zu zeigen.
Ja, Ähnliches dachte ich auch, bzgl. der speziell japanischen Adaption des Golfspiels, dachte, es geht um die Schönheit der Bewegung bzw um die Bewußtheit in der Bewegung als Schönheit, Zen, something like that. In „Bis ans Ende der Welt“ erscheinen die beiden Ozu-Schauspieler Chishû Ryû und Kuniko Miyake als Mr und Mrs Mori, um William Hurt zu heilen. Ich war fasziniert bei Kuniko Miyake von der unfaßbaren Grazie und Anmut ihrer Haltung und Bewegung, sie ist 75 und die wenigen Sekunden in Wenders‘ Film, das ist der letzte Auftritt dieser Frau, die ihre Filmgeschichte als Mädchen von 12 Jahren begann. Und ich dachte, vielleicht ist Wenders da sogar noch eigentlicher Dokumentarist als in seinem Dokumentarfilm, da wir diese grazile Bewegung einer japanischen Schauspielerin jenseits der 70 sehen, die etwas nie verliert, was schon eine Geisha 100 Jahre vor ihr nie verlor.

„Was passiert mit dem Werk von Goethe! Überlegen Sie mal! Goethe! Weg für immer!“ Dieser Moment, Claire und Trevor/Sam im Propellerflugzeug, und man hört/fühlt diesen sound, der Erde und Himmel erschüttert. Die Stille danach. „Sie haben es getan. Sie haben den Satelliten abgeschossen.“ Dieser Moment, Claire steigt aus dem Zug, Sung Li Station, nachts um 3 Uhr 20, der einsamste Ort der Welt. Dieser Moment, als der Computer die ersten Traumbilder aus dem Gehirn überträgt. „Bis ans Ende der Welt“ ist eine Abfolge eindringlicher Momente. Eine Abfolge von Bildern, die Bildersucht erklärt, zugleich Warnung vor der Verführungskraft des Bildes. Diese australische Landschaft, da würde ich auch Aborigine werden. „Wir müssen uns in unseren Träumen ein Bild von der Zukunft machen.“ (Eugene). Ich hoffe, daß die 20-Stunden-Version auch noch zugänglich gemacht wird. :) „Nur Wunder machen Sinn.“ (Eugene). Claires Bericht aus China, den sie per Videofax sendet, die Sachen hat Solveig Dommartin tatsächlich auf eigene Faust aufgenommen, nur in Begleitung eines einzigen Kamerahelfers, weil das Budget auf dem Nullpunkt war. Man weiß so wenig über sie? Was für eine Heldin.

ray05:

Dommartin scheint irgendwie durch die Schubladen gefallen zu sein. Schwerer kosmischer Irrtum. Leider haben wir keinen Peeperkorn mehr, der alles in die richtigen Verhältnisse zueinander bringt. :)

„Bis ans Ende der Welt“ werde ich mir ganz am Ende dieser Werkschau nochmal geben, tagsüber und ausgeschlafen, Business kann warten. :)

Es sind erst zehn Tage vergangen seit ich „Paris, Texas“ wiedersah, aber mir kömmt diese kurze Zeitspanne vor wie ein ganzes Jahr. Wenders müsste mal einen Film machen über einen Mann, der Werkschau betreibt. Milesdaviswerkschau, Albertaylerwerkschau, Thomaspynchonwerkschau, Werkewerkschau. Es wäre ein Film über die Zeit, wie sie sich dehnt und wie sie zusammenschnurrt, ganz so wie der Zauberberg ein Roman ist über all das. :) – Als Werkschauender wirst du zum Landvermesser K.; du kannst dir fast schon selber bei der Verstrickung zusehen in die Verhältnisse, die du schaust. So manches vom Wim Wenders der 90er Jahre entzieht sich mir, ganz so, wie sich die Schlossbeamten dem Landvermesser entziehen. So wie K. unaufhörlich rätselt über die Bedeutung Klamms oder der ihm zugesellten Gehilfen oder über den Boten Barnabas, so rätsele ich über Streifen wie „Am Ende der Gewalt“ und „Million Dollar Hotel“. Im ersteren scheint Wenders tatsächlich den Lynchkosmos bereisen zu wollen – aber sollen doch die Aliens, die dereinst hermeneutische Archäologie und Anthropologie auf der Erde betreiben werden darüber befinden, ob ihm das gelungen ist. :) – „Hotel“ hat Milla Jovovich zu bieten. Allerorten wurde damals von Milla Jovovich gesprochen. Ein Gegengesicht, eine Botin. Der „Soundtrack“ ist stark, jedenfalls immer dann, wenn die „MDH-Band“ zu hören ist. Unfassbar: Brian Eno und Bill Frisell in derselben Band. – Wenders wäre allerdings nicht der große Künstler, der er ist, wenn er nicht auch manchmal groß gescheitert wäre, aber selbst seine Idiosynkrasien – dieses „too much“ – sind es wert, dass dereinst in den Bibliotheken Regale freigeräumt werden für Zeug, das sich nur damit beschäftigt. – Über der Wenders/Lynch-Verschränkung müsstest Du ein ganz eigenes Kataster im Tempel eröffnen. Danke für Ry Cooder, Kamerad. :)

29.07.2020

ray05:

In „Lisbon Story“ (1994) sehen wir Rüdiger Vogler nochmals als „Philipp Winter“, diesmal ist er ein Tonmeister und -ingenieur, auch einer dieser seltsamen Feldforscher des Klangs der Welt für den Film. Wie viele Berufe hat „Philipp Winter“ eigentlich in den Wendersfilmen ausgeübt, und in wie vielen fahrbaren Untersätzen ist er unterwegs gewesen, sogar die Wuppertaler Schwebebahn hat er mal benutzt; in wie vielen Flugzeugen ist er gesessen – in diesem wundervollen low-swinging movie kommt die altehrwürdige Lissaboner Trambahn hinzu. :) – In meinen Augen gehören die Passagen, in denen Winter mit Stabsurroundmikrophon und Rekorder durch Lissabon zieht, um den Sound der Stadt einzufangen zum besten, was Wenders gelungen ist. Und hier der Klang des Scherenschleifers, des Schuhputzers, der Klang der Fähre beim Ablegen vom Kai – „und hier der Klang der Tauben im Tonstudio und jetzt ein Mann mit gebrochenem Bein… und jetzt der Klang der Abwesenheit“. Genial ist die Szene, in der Winter mit einem Schulkind auf einer Mauer sitzt, Winter bewegt sein Mikrofon hoch oben in der Luft hin und her, das Kind hat die Kopfhörer auf und errät die Klangquellen, die es dabei hört. – In „Lisbon“ nutzen Kinder wie selbstverständlich das Stadthaus, in dem Winter seine Filmtonsynchronisationsarbeit verrichtet, für Explorationen mit eigener Videokamera, und dann ist da ein New-Folk-Quintett – eine Art portugiesisches „Pentangle“ -, das unter gleichem Dach bewegende Songs aufnimmt für einen Filmsoundtrack. Manoel de Oliveira spricht Winter sein Credo ins Mikrofon. Der ganze Prospekt ist entfaltet in ein affirmatives Weltsituationsbild, wie es auf diese Art & Weise nur Wim Wenders gelingen kann. Aber der Grat ist extrem schmal, auf dem Wenders sich bewegt, vermutlich wurde er immer schmaler zeitläuftig und Wenders hat seiner eigenen Weltimagination nicht mehr recht getraut. Dass der Schluss gleichsam in eine medien- oder bilderkritische Coda münden musste, kann ich eingedenk der damals zirkulierenden Diskurse über Postmodernismus nachvollziehen. Heute wirkt das aber wie aufgepropft, vor allem der nachgängige Slapstick hätte unbedingt überflüssig sein müssen. Aber gut. Vielleicht ist Wenders ein Hölderlin, aber einer, der unter allen Umständen keiner sein will. :)

31.07.2020

Christian Erdmann:

„Lisbon Story“ vorgezogen, um zu verstehen, was Du sagst. :) „Bewegte Bilder können immer noch bewegen“, sagt Winter/Vogler am Ende, und da beginnt meine Pein: das zu fühlen und es auszusprechen, ist Sache des Zuschauers, nicht des Films, der den Zuschauer soeben dazu gebracht hat, das zu empfinden. Auch wenn es im Kontext – Winter ist ja auch Zuschauer, und er trotzt Friedrich mit dieser Bemerkung – Sinn macht, der Film klingt, als würde er über sich selbst sprechen, und ich fühle Pein dabei. :) Eine Nuance, nur ein µ, ist mir dieser Film zu sehr berechneter Zauber. Noch nicht Wohlfühlfilm für die Bionade-Bourgeoisie, aber doch zu sehr inszenierte Magie. Voglers versonnenes Lächeln bei Madredeus, stellvertretend für unser versonnenes Lächeln bei gepflegtem Arthouse-Kino. :) Vergib mir, ich bin völlig auf Deiner Seite, was die brillanten Momente angeht. Aber als die Madredeus-Sängerin Winter den Schlüssel zum Haus gibt und Winter sagt: „Ist das auch der Schlüssel zu Ihrem Herzen?“ – Gasch! Gasch! :) -, verlor mich dieser Film, der mich nach einer Viertelstunde so packte, als Winter das Haus betrat. Ich würde Wenders sogar verstehen, wenn er eines Tages sagte, ich habe diesen Film nur gemacht, um in diesem Haus filmen zu können. Die Kacheln! Die alte Stativkamera vor diesen Kacheln! UND! DIE KUNST DES GERÄUSCHEMACHERS! Compadre! Allein das! Ich liebe das so sehr, ich wäre gar nicht ich ohne dieses Pütschern des Geräuschemachers in der Wasserschüssel bei Szenen in „Der Seewolf“. Überhaupt war in diesen Weihnachtsvierteilern der Geräuschemacher mein geheimer Held. „Manchmal, wenn Aljoscha aufs Meer hinaus sah, meinte er sich an sein Schiff erinnern zu können, an das Ächzen und Knarren der Planken und Spanten.“ Aber zuerst hörbar machte es der Geräuschemacher. :) Die Geräusche des Geräuschemachers machten die große weite Welt, die voller Abenteuer war, zu a cozy place. Ich sah auch schon früh einen Bericht im TV über diese Kunst, und weiß daher schon seit meiner Kindheit, wie Pferdegalopp mit Kokosnußschalen erzeugt wurde. :) So, yeah, das bleibt das perfid-Schöne an Wenders-Filmen, Du hast es ja schon formuliert, selbst wenn er scheitert, scheitert er grandios, und er bleibt turmhoch über den daily Peinlichkeiten der Gegenwart. Völlig d’accord, was den Slapstick am Ende angeht.

Sah auch „Aufzeichnungen zu Kleidern und Städten“, dindu much for me, filmisch, aber Leda liebte Yamamoto sehr, und das war, was ich nachvollzog, zum Beispiel, als Yamamoto von seiner Faszination für alte Fotografien spricht und erklärt, auf alten Fotos tragen die Menschen keine Kleider, sie tragen Wirklichkeit. Es gibt auch eine Stelle, wo er quasi sagt: Männer sind D-Dur, Frauen sind A-Dur. :) Vom Anrührenden des Nichtperfekten sprechen und dann das Nichtperfekte perfektionieren wollen. Man versteht, wie sehr es Yamamoto nicht um MODE geht.

08.08.2020

Christian Erdmann:

Kurzer Exkurs: habe mir „Supermarkt“ von Klick angesehen. Muß ihn damals irgendwann im TV gesehen haben, weil ich sofort diesen Song erkannte, „Celebration“. Das Beste, was Marius West je gemacht hat. :) Hatte damals verstanden „I want my celebration day before I die“, und der Satz war irgendwie in mein Notenbüchl gelangt. Er singt aber „Babe“ und nicht „day“, methinks. Jedenfalls, über diesem Hamburg steht tatsächlich wie über Dantes Höllentor: die ihr hier eintretet, laßt alle Hoffnung fahren. :) Das Schönste war der PEZ-Automat nach 3 Minuten. Roh, schmutzig, und, nunja, nicht mehr ganz leicht anzusehen (Alfred Edel als Chefredakteur? Excuse me?) :) Im Vergleich nur noch deutlicher die so überragende Kunst von Wenders, einen Ort nicht nur Kulisse sein zu lassen. – Früher kämpfte man für das Recht auf Bildung, heute geht man auf die Straße für das Recht auf Verblödung, da kommt die alte Dame wie gerufen, die irgendwo mault: „Man hat doch ein Recht als Staatsbürger, zu wissen, was hier los ist!“ :)

In den letzten Tagen auf den DVDs mehrmals den Trailer zu „Der Himmel über Berlin“ gesehen, die Szene, in der Curt Bois sagt: „Ich kann den Potsdamer Platz nicht finden“, und man denkt unwillkürlich, ach Curt. Du würdest ihn auch heute nicht finden. :)

10.08.2020

ray05:

Curt Bois ist nur ein Jahr jünger als Vladimir Nabokov und nur drei Jahre jünger als Bertolt Brecht und nur 11 Jahre jünger als Fritz Lang, alle auch im Berlin der Weimarer Republik unterwegs, dieser hypermodernsten denkbaren Stadt neben New York damals. :) – Wikipedia gibt in aller Breite einen schönen faktischen Überblick über Bois. Obwohl ich mich stets als umfassenden Kenner der Weimarer Republik selbstbezeichne, sind mir doch Bois‘ Erinnerungen und Lebenszeugnisse, die ja seit den 1960er Jahren durchaus vorliegen und verschiedentlich weitergeführt wurden, bislang entgangen. Epoche, hier tut sich wieder ein Feld auf. :) – Bruno Ganz und Otto Sander – so lese ich – haben einen Dokumentarfilm über Curt Bois und Bernhard Minetti gemacht, der hängt freilich schon rein zeitlich mit „Himmel über Berlin“ zusammen, womöglich muss man den Wendersfilm und den Dokumentarfilm zusammenschauen. – Wollte „Himmel über Berlin“ ursprünglich „übergehen“ in der Werkschau, gleichsam so, wie ich heuer meine alljährliche Rilkesaison ausfallen lasse. Sah ihn dann doch, aber gewissermaßen schwermütig-kontraindikatorisch; der Film vermochte es nicht, mir die Zeichnung Paul Klees vom Menschen in Engelsgestalt (allerdings in sensationell zerzauster und ruinöser Verfassung, Tagebücher, 1905) aus dem Kopf zu schlagen; versehen mit Klees Notat: „Dieser Mensch im Gegensatz zu göttlichen Wesen mit nur einem Flügel geboren, macht unentwegt Flugversuche. Dabei bricht er Arm und Bein, hält aber trotzdem unter dem Banner seiner Idee aus.“ Aber vielleicht ging es Wenders gerade um das. :)

13.08.2020

Christian Erdmann:

Ein Dokumentarfilm von Bruno Ganz und Otto Sander über Bois / Minetti? Wenn Du drauf stößt, bitte 4-Minuten-Alarm bei mir losgehen lassen.

Die Weimarer Republik, mhm, ich bin beileibe kein umfassender Kenner, aber umfassend fasziniert. Las kürzlich „Lulu in Berlin und Hollywood“ von Louise Brooks. In meiner Vorstellung sieht Berlin 1928 genau so aus, wie sie es schildert. :)

„Im Eden Hotel, wo ich in Berlin wohnte, bevölkerten die Luxusflittchen die Café-Bar. Draußen vor der Tür gingen die Mädchen der preiswerteren Kategorie auf den Strich. An der Ecke standen die Mädchen in Stiefeln und annoncierten ihre flagellantischen Dienste. Agenten der Schauspieler verkuppelten die Damen in den Luxusappartements des Bayrischen Viertels. Tipgeber vom Pferderennen in Hoppegarten arrangierten Orgien für ganze Sportlergruppen. Der Nachtclub Eldorado präsentierte eine ganze Reihe verlockender Homosexueller in Frauenkleidern. Im Maly standen Lesbierinnen – feminine und in Schlips und Kragen – zur Auswahl.“

Wunderbar und fesselnd ihre Beschreibungen der Dreharbeiten mit Pabst. Vermutlich Dir bekannt, falls nicht, 4-Minuten-Alarm.

Klees Notat rüttelt mir grad die Knochen durch.

Schrieb ja, Wenders bringe unablässig Mythen zusammen und erschaffe so neue Mythen, beileibe nicht nur von Menschen die Rede da, aber Otto Sander auf der Bühne neben Nick Cave in „Der Himmel über Berlin“ – das ist schon ein prägnantes Bild dafür.

18.07.2020

Christian Erdmann:

Im Zuge der Reevaluationofeverything vergewisserte ich mich, und war doch gleichwohl überrascht, wie sehr ich „Der Himmel über Berlin“ liebe. Wie alles in diesem Film und überhaupt alles in diesem Kontinuum kulminiert in: „Das Bild, das wir erzeugt haben, wird das Begleitbild meines Sterbens sein.“ Nick Cave, Crime & The City Solution, der Film war auch Aljoschas Sache, so sehr.