Do you remember the silver walks You used to shiver and I used to talk Then we went down to Times Square And ever since I’ve been hangin‘ ‚round there
Heard „The Velvet Underground & Nico“ when I was 16, and ever since I felt protected. Immune to bullshit. He was one of those who protected us forever… he made us feel ten foot tall. Eternally grateful. May he sleep now for a 1000 years.
„Sinistre Coolness“, somebody just said. Diese sinistre Coolness war so anziehend damals, als ich „The Velvet Underground & Nico“ entdeckte, als Satellit in den Sphären dieser jungen Lady, die mich erlöste aus endlosen Nachmittagen, an denen man sich auf HiFi-Dachböden Yes-Platten anhören mußte. „Venus In Furs“, „All Tomorrow’s Parties“, „I’m Waiting For The Man“: du gehst durch diese Tür, und du kommst nie mehr zurück.
Mit 19 fing ich an, mir Lou Reeds Solowerk zu erobern. „Berlin“ kann ich mir heute nur noch bei bestimmten Sternenkonstellationen anhören – zu intensiv die Erlebnisse damals, die „Berlin“ begleiteten. Sah Reed live mit 20, später waren mir John Cale und Nico näher, aber es war (ist) alles ein Sternbild. So wie man im Zittern von Nicos Stimme auf „I’ll Be Your Mirror“ hört, wie Reed, Cale und Morrison sie stundenlang gepeinigt hatten… Sterling Morrison: „Nico had two voices. One was a full-register, Germanic, gotterdammerung voice, the other was her wispy voice which I liked. She kept singing ‚I’ll Be Your Mirror‘ in her strident voice. Dissatisfied, we kept making her do it over and over again until she broke down and burst into tears.“ Den Take, den sie dann sang, nahmen sie.
Oder dieser unfaßbare Song „It Was A Pleasure Then“ auf Nicos „Chelsea Girl“, 8 Minuten lang. Sie hatten Nico wieder rausgeschmissen bei Velvet Underground, aber auf diesem Song begleiten sie nur Reed und Cale, most haunting. Die Velvet Underground-Reunion habe ich aus irgendeinem Instinkt heraus vermieden, „Songs For Drella“ dagegen… damals war es vor allem die berührende Schönheit dieses Moments, Reed und Cale wieder vereint zu sehen, aber das Werk scheint einem ja von Mal zu Mal noch besser jetzt, Sonntagnacht wieder gehört, danach liegt man erstmal eine Stunde sprachlos da. Reeds „Goodbye, Andy“ am Schluß, it hurts so much, now.
Reed selbst: bis „Street Hassle“, dann noch dieses Live-Album, das nur er sich trauen konnte, auf dem er z.B. „Walk On The Wild Side“ mit giftigen Monologen, verbalem Slapstick und generellem stream of consciousness auf 14 Minuten streckt, „The Blue Mask“ hat große Momente, aber der spätere Reed wollte mir immer zuviel, zuviel auf einmal, zuviel Literarisches in einem etwas bemühten New York-Modus (wo doch „Do you remember the silver walks / You used to shiver and I used to talk“ ein ganzer Film war), zuviel Suche nach perfektem Klang, die mir zu steril geriet, was soll’s, nichts schmälert die Bedeutung dieses Mannes in meinem Leben. „Up-tight – The Velvet Underground Story“ war das erste Buch, das ich mir aus Übersee kommen ließ, prä-Internet-Ära, versteht sich. Wußtest Du, daß Nico den Velvet Underground-Van fuhr? Warhol: „Nico’s driving really was insane when we hit Ann Arbor. She was shooting across sidewalks and over people’s lawns.“
The strangeness of it. Er war immer da. Dieser laszive Gang ins Gefährliche, oder gerade zurück von da, wasted, das SM-Paperback auf dem sidewalk als magisches Zeichen, die Schönheit der devianten Schönheit, „This is a song about… oh when you’ve done something so sad and you wake up the next day and remember it. This is a song called Sunday Morning.“
30.10.2013
Weil man es nicht oft genug wiederholen kann: wie „Sister Ray“ entstand.
MORRISON: There would be a big brawl over which take to use. Of course everybody would opt for the takes where they sounded best. It was a tremendous hassle, so on „Sister Ray“ which we knew was going to be a major effort we stared at each other and said: ‚This is going to be one take. So whatever you want to do, you better do it now.‘ And that explains what is going on in the mix. There is a musical struggle – everyone’s trying to do what he wants to do every second, and nobody’s backing off. I think it’s great the way the organ comes in. Cale starts to try and play a solo. He’s totally buried and there’s a sort of surge and then he’s pulling out all the stops until he just rises out of the pack. He was able to get louder than Lou and I were. The drums are almost totally drowned out.
REED: The only way to go through something is to go right into the middle, the only way to do it is to not kid around. Storm coming – you go right through the center and you may come out alright. Most people don’t even know there’s a center. [… ] ‚Sister Ray‘ … has eight characters in it and this guy gets killed and nobody does anything. The situation is a bunch of drag queens taking some sailors home with them, shooting up on smack and having this orgy when the police appear. […] I had been listening to a lot of Cecil Taylor and Ornette Coleman, and wanted to get something like that with a rock & roll feeling. When we did ‚Sister Ray‘, we turned up to ten flat out, leakage all over the place. That’s it. They asked us what we were going to do. We said ‚We’re going to start‘. They said ‚Who’s playing bass?‘ We said ‚There is no bass‘. They asked us when it ends. We didn’t know. When it ends, that’s when it ends.“
Am 19. August 2010 verstarb im Backstagebereich des Pukkelpop-Festival in Hasselt, Belgien, Michael Been an den Folgen einer Herzattacke. Michael Been hatte in den Achtzigern mit seiner Band The Call einige Erfolge verzeichnet, ohne daß es, bei allem Kritikerlob, je zum Meisterstreich und zum prophezeiten Kapitel in der Musikgeschichte gekommen wäre. 1988 erschien Been mit seiner Jedermannphysis als Apostel Johannes in „The Last Temptation of Christ“ von Martin Scorsese. Eine Dekade lang widmete Michael Been dann sein Leben jener Band, die sein Sohn, Robert Levon Been, 1998 zusammen mit Peter Hayes in San Francisco gegründet hatte. Michael Been begleitete Black Rebel Motorcycle Club als Soundman auf Konzerttourneen, trat bei BRMC-Alben zuweilen als Produzent in Erscheinung, vor allem aber war Michael Been ein liebevoller Mentor, dessen Rat auf persönlicher wie kreativer Ebene für die Band von unschätzbarem Wert war. Eine inspirierende Kraft, ein Schutzengel, und wie ein Vater auch für Peter Hayes. Robert Levon Been im Februar 2013 auf qthemusic.com:
„We all went through a pretty great loss with my father passing away. He was a really important person in our lives. He really held us together through a lot of hard times. And that was from the very beginning. As an example, I don’t know a lot of people know, but at high school Peter [Hayes, guitarist] was having a lot of trouble at home and was living in a van. So when I started playing guitar with Pete he would end up parking in the driveway. We’d go to school, play at night and he’d crash in our driveway, and so my father ended up taking him in and he became part of the family. It’s where he’s lived ever since. So it’s a huge thing to lose him. He went out on the road with us, every tour doing the front of house sound, so all us – not just me – were hit pretty hard.“
BRMC sagen im August 2010 zunächst alle weiteren Konzerte ab, treten dann aber doch, drei Tage nach Michael Beens Tod, am 22.8. beim deutschen Area 4-Festival auf. In einem der 6 Short Films zu „Specter At The Feast“ sagt Robert: „I decided that if I didn’t get back on stage and start playing again, then I might… I’d never pick myself back up.“
Es gießt in Strömen beim Area 4, Monitore fallen aus, Gitarren auch, „I looked over to Peter and Leah“, erzählt Robert rückblickend, „and I just felt so honored“ – mit diesen beiden Menschen auf einer Bühne zu stehen. In der Menge wissen zu diesem Zeitpunkt nur die Wenigsten, unter welchem Schock die Band steht. WDR-Kameras halten die Verzweiflung fest, auf YouTube werden die Ausschnitte mittlerweile kommentiert mit Sätzen wie: „I couldn’t watch it at first because they all looked shattered.“ – „Fuck, I’m in tears. Area 4 festival was really intense.“ – „Everything fell apart… but the gig was in a strange way intense… At that time, nobody knew that his dad had just passed away…“ – „I just watched Berlin from that concert… hard as fuck to get through the whole video.“
Was vermutlich auch kaum einer wußte oder im Sinn hatte: der 22.8. ist Robert Levon Beens Geburtstag.
Drei Monate vorher hatten wir BRMC in der Hamburger Markthalle live erlebt. Und aus meinem Bericht für die Akademie von 2010 darf ich zitieren:
„Beat The Devil’s Tattoo. Und genau das ist der Auftrag dieser gebeutelten Band. Diesen Sommer starb Robert Levon Beens Papa, der ex-Frontmann von The Call, der für BRMC als Soundmann arbeitete, kurz vor einem Festivalauftritt. Robert kniete mit seinem Bass und seinem Schmerz im Schlamm, überwältigt von der Bürde, gegen all die Verwünschung und Verdammnis anzugehen, gegen die der Sound der Band revoltiert. Auf „Beat The Devil’s Tattoo“ rauhbauziger denn je. Daß jetzt wie bei Velvet Underground eine Frau am Schlagzeug ist, paßt ja nur ins Bild. Aus einem glitzernden Schlitten mit Hochgeschwindigkeit ein Wrack machen, und sich dann den Staub aus den schwarzen Anziehsachen klopfen und weiterstiefeln, um im nächsten Gotta go do wrong die Unverwüstlichkeit zu prüfen.“
Es heißt, daß Robert auf den Knien noch ein R.I.P. in den Schlamm malte. Warum, so dachte man bei diesem Anblick, warum schleudert das Schicksal dieser Band, die sich mit Leah Shapiro am Schlagzeug gerade wieder konsolidiert hatte, immer wieder einen Blitz ins Speichenrad?
Trauer und Erschütterung waren nachhaltig. Es war durchaus nicht sicher, daß die Band weiterbestehen würde, und es brauchte die Monde von zwei Jahren, um eine Tragödie zu überstehen. „Specter At The Feast“ erscheint fast genau drei Jahre nach „Beat The Devil’s Tattoo“, der Albumtitel verweist auf eine literarische Tragödie (Macbeth), Michael Been ist noch überall in dieser Musik – als presence. Kein Fest ohne Geist: es gibt kein Weitergehen ohne den Schmerz der Erinnerung. „Music began as the best way to escape what was out there, all the shit in the world that feels false, everything you want to say against it“, so Robert. Und jetzt? „Music becomes the one place where you can’t escape.“
Der ubiquitäre Dave Grohl stellte sich zum richtigen Zeitpunkt als Katalysator zur Verfügung:
„Our record actually started when Dave invited us to come down and record on the sound board at the studios again. It felt really good recording the song on the equipment we used for the first record [2001’s B.R.M.C.], it was so tempting that we asked: Would it be too much to ask if we snuck in here and tracked some of the songs we’re working on right now? It all spun out from that. Dave was completely gracious and said Come in, use what you want. So we got the run of the place to make our album. From there we hit the ground running, we were in good hands. Before that though, writing the songs, was a lot of work. All of us were all in very different headspaces and we were trying to figure out where we wanted to go – if we wanted to write and play music at all.“ [qthemusic.com]
Mit „Love Burns“, dem ersten Song auf dem ersten Album, beschrieben diese drei – noch mit Nick Jago am Schlagzeug -, daß SIE Himmel und Hölle auf zwei Beinen ist, und eine höhere Wahrheit kenne ich nicht.
She cuts my skin and bruise my lips She’s everything to me She tears my clothes and burns my eyes She’s all I want to see She brings the cold and scars my soul She’s heaven sent to me
Dunkel, mysteriös, sexy, cool: wer sich so durch die Wirrnis bewegt, wer mit dem dritten Song Rock ’n‘ Roll definiert,
wer mir in „Awake“ – so mächtig, samten und hypnotisch – Zeilen überläßt wie
I’ve been awake through the wrong decisions I’ve held my ground now I’m gaining some I’ve held my tongue through the cold realizations I’ve been accused but I’ve only begun
hat mich für immer auf seiner Seite. „Howl“, das phantastische (umstrittene) dritte Album, ist nach dem Poem von Allen Ginsberg benannt, und im neuen Video zu „Let The Day Begin“ erscheint als die einzige mir bekannte Person Jack Kerouac. Beat Generation: besiegt / müde / heruntergekommen, zugleich wach / euphorisch / auf der Suche nach Salvation. „Specter At The Feast“ hat wohl eher verhaltene Reaktionen ausgelöst. Wer sich wirklich einläßt auf die Platte, findet etwas, das stärker und tiefer geworden ist nach dem alchemistischen Prozeß, der schmerzhaften Transformation, dem Umschmelzen des Bleiernen. Introspektiv, zornig, herzzerreißend, tapfer und bittersüß bis zum Äußersten. Songs wie „Some Kind Of Ghost“ und „Sometimes The Light“ suchen Verbindung zur anderen Welt.
Gegen 21 Uhr kommen sie auf die Bühne der Großen Freiheit, Leah als erstes, Robert mit Kapuze, Peter mit obligatorischer Zigarette im Mundwinkel, mit „Let The Day Begin“, dem Salut für Michael Been – The Call hatten mit dem Song Ende der 80er einen Hit -, beginnen sie, Herzenssache, der Empfang für die fast schon Verlorengeglaubten ist überwältigend. München und Berlin haben sie als Stationen in Deutschland schon hinter sich, am Abend zuvor in Berlin ist Robert Levon Been nach dem Auftritt in der Columbiahalle mit einer Akustikgitarre nach draußen gekommen, um mit einer Schar von Fans ein paar Songs in den Schoß der Nacht zu legen.
Und am Nachmittag in Hamburg spielten BRMC ein „Schaufensterkonzert“ bei Michelle Records, auf den Mitschnitten wirkt Leah ein bißchen krank, hustet in ihren Pullover, und wenn sie an diesem Abend in der Großen Freiheit tatsächlich mit bösen Bakterien zu kämpfen hat, steigt meine Bewunderung ins Unermeßliche. Ich sehe dieser Frau wahnsinnig gern beim Schlagzeugspielen zu. Soviel Körperspannung in jedem einzelnen Schlag, konzentriert, präzise, druckvoll, und doch mit einem femininen Rest von „Frauen schlagen anders zu“.
Jacke überm Geländer, wir haben uns auf Peters Seite in der ersten Reihe installiert, „Rival“ vom neuen Album, Leben mit dem Verlorenen, den Verlorenen, und so leben, als wüßte man, was zur Hölle man sucht, Orte aufsuchen, die man nicht aufsuchen sollte, carry on, Seele finden und in Flammen setzen. Noch kurz das süße Gift Suspense mit „Red Eyes And Tears“, dann geht der Höllenritt los, Schlag auf Schlag, und der Saal tobt. Das neue „Hate The Taste“ („Got a tortured soul, I can’t give it away“), dann „Beat The Devil’s Tattoo“, „Whatever Happened To My Rock ’n‘ Roll“ und „Ain’t No Easy Way“ nacheinander, danach muß man erstmal die Orientierung wiederfinden. BRMC geben einem ja abwechselnd das Gefühl, auf einer Triumph Thunderbird zu sitzen (nachdem man gerade „Whaddaya got?“ genuschelt hat) und den ganzen Dreck hinter sich zu lassen, oder mit dem Teufel Karten zu spielen um die aufreizend langsamen Schritte, die den Raum elektrisieren, und einer von euch beiden sagt „SIE ist die Kugel, auf der mein Name steht“, bloß du weißt nicht wer, der Teufel oder du.
Drittens treibt einen immer spiritual thirst, auch wenn man jede Nacht in den Abyssus fällt, viertens kann man ja wohl nichts dafür, wenn man bei dieser Musik an drei Dinge denkt, Sex, Sex und Sex. Das wird man ja wohl noch sagen dürfen in Zeiten des Neo-Biedermeier.
Nach „Berlin“ und „666 Conducer“ folgt mit „Returning“ einer der bewegendsten Momente von „Specter At The Feast“. Fünftens, das Hinübergehen auf die andere Seite. Robert Levon Been stürzt sich hinab in tiefste emotionale Tiefen, auf der Platte ist die Zeile „You found yourself inside a tomb, screaming to the sun“ kaum überstehbar, ohne daß es einem das Herz anhält. A part of you is ending, a part of you holds on. But you must leave and not turn back, knowing what you hold. How much time have we got left, it’s killing us, but carries us on… carries us all. I will follow you till we all return, till we know our souls survived. Till we know you’ll carry us on, carry us on, carry us all.
Plötzlich steht zunächst Robert Levon Been allein auf der Bühne und spielt „Mercy“, dann Peter Hayes mit Akustikgitarre, ein magisches „Devil’s Waitin'“. Wäre das nicht so hypnotisch, würde man sich umdrehen, um der quatschenden Sippschaft im hinteren Teil des Saales ein „Curse active!“ zuzurufen. Mit „Fire Walker“ bricht quasi ein zweites Konzert an, insgesamt spielen BRMC an die 150 Minuten.
„Fire Walker“, der erste Song auf „Specter At The Feast“, beginnt mit Bass-Flageoletts, die der Textzeile „We pass through the gates“ Vorschub zu leisten scheinen, bis Schlagzeug und knarzender Bass einen Soldier On-Rhythmus aufnehmen, der das anfänglich noch schleppende Weitermachen beklemmend illustriert, aber auch den Willen zu Selbstbesinnung statt Selbstmitleid, den Willen, nicht in Depression zu versinken. Die leicht bedrohliche, leicht unheimliche David Lynch-Stimmung, die der Anfang evoziert, weicht nicht völlig, die dunkelste Nacht von allen dauert nicht nur eine Nacht, „Fire Walker“ gemahnt nicht zufällig an „Fire Walk With Me“, im Text erscheint die Zeile „And maybe I’m too blind to see, the fire is all that walks with me“. „Specter At The Feast“ geht unter die Haut mit ergreifender Trauer, doch die Seele in dieser Musik und diesen Lyrics hält Verbindung mit dem, der vorausgegangen ist, „through the gates“, und mit einer elementaren Kraft, die durch alles Verlorensein im dunklen Wald, durch alle Verletzlichkeit führt. Nie klang Robert Levon Beens Stimme so ernst und so zerbrechlich, so weit entfernt und so gespenstisch nah.
„Windows“ mit Robert am Piano, und irgendwann im Lauf des Abends, vielleicht jetzt, spricht der außerhalb der Musik nicht gerade als mitteilsam bekannte Club (böse Zungen sagen „maulfaul“) ein paar Worte für die Ewigkeit. Robert möchte sich bedanken. Er sagt etwas wie: „We had such a good time in Germany, the last couple of days. And I mean you guys are like the best crowd we ever had.“ Peter Hayes applaudiert dazu. Nach dem Konzert in Köln, einen Tag später, hieß es auf derwesten.de:
„Es war die letzte Station auf ihrer einmonatigen Tournee quer durch Europa. Aber das Beste hebt sich auch der Black Rebel Motorcycle Club offensichtlich immer bis zum Schluss auf. Denn Auftritte in Deutschland genießen bei der Alternative-Rockband aus San Francisco einen ganz besonders hohen Stellenwert. Weil ihnen das Publikum hierzulande eine innige Sympathie und Feierlust entgegenbringt, die ihresgleichen sucht.“
Mit „Conscience Killer“, „Stop“ sowie „Love Burns“, nacheinander, explodieren „innige Sympathie und Feierlust“ in ein Inferno. Immer wieder, wenn Hayes singt, kniet Been vor dem Monitor mit seinem roten, abgeschabten Bass, die Augen schließend, verloren in einem Film, der nur hinter seinen Augenlidern läuft. Dann „Lullaby“ von „Specter“, Been singt: „We move through the dark, helpless“, und „You are the hand I can’t reach, you are the words I can’t speak“. Aber auch: „I will walk till I’ve no shadow“.
Mit „Funny Games“ folgt ein weiterer Song von „Specter“ („You stray in the dark but cut through the light of day“ / „Our normal life won’t be the same, there’s no one safe from this“ / „You tell yourself, leave the calling moans“), dann das furiose Finale mit „Six Barrel Shotgun“ und „Spread Your Love“. Das Haus brennt ab. Als Robert Levon Been seinen Bass schließlich abnimmt und an der ersten Reihe entlanggeht, um ein paar Hände zu berühren, erwischt er Madames und meine, und dreht sich auf dem Weg ins Dunkel noch einmal kurz um zu uns. Meine von Robert Levon Been berührte Hand kennt auch Mark Lanegans Hand und verlangt von mir nunmehr, daß ich sie „Sir“ nenne.
Als Zugabe noch zwei der neuen Songs, „Sell It“ – dicker Matsch und so zornig und bösartig wie nur irgendwas, das BRMC je auf Platte preßten, schließlich „Lose Yourself“, das hymnische, fast neunminütige Finale von „Specter At The Feast“, ein einsamer, melancholischer Gang durch Morgendämmerung, das Ende eines langen Abschieds, der Wunsch nach Wiederauferstehung.
Breaks in the light only shape what you see You hold it in a word but never speak Why won’t you lose yourself At all Climbed so high, can’t escape what you dream You feel it in your bones but never ease It’s in your touch but you can’t feel a thing You’re trying not to look at the face you see Tiny little lies replace what you need I see it in your eyes but never reach You can’t keep quiet, you can’t even scream You hold it in your heart but the rest you leave Why won’t you lose yourself At all
Und am Ende dieses Songs geht Robert Levon Been mit Tränen in den Augen von der Bühne.
In die Phase des postkathartischen, noch ungläubigen Sichzurechtfindens in der hellen Welt schaut uns eine junge Frau unentwegt mit großen Augen an, schließlich spricht sie Madame an, aber wir sind zu sehr in den Seilen und hängen im Funkloch. Sie hat uns für irgendwen gehalten, aber wir sind es nicht. Erst draußen kehrt Bewußtsein langsam wieder.
Wir biegen ein in die Schmuckstraße, wo der Tourbus steht und dahinter der Truck, in den schon Equipment geladen wird. Wir schauen eine Weile zu. Madame hat das „Specter“-Booklet in der Tasche und einen Silberstift, also eine Mission.
Nach vielleicht 20 Minuten erscheint eine Gestalt mit Kapuze über dem Kopf und obligatorischer Zigarette im Mundwinkel. Peter Hayes. Er scheint zu erkennen, daß wir ihn erkennen, geht auf der Straße sehr langsam am Truck vorbei, bleibt stehen, ein Taxi will durch, er schaut sich um. Madames Minute, also bleibe ich zurück. Als ich zwischen Truck und Tourbus auf den Bürgersteig komme, sehe ich noch, wie er sagt, „I’ll be right back“, und in den Bus steigt. Als sie da stand mit ihm, so erzählt Madame, hätten zwei, drei andere ihn erkannt und um ein Foto gebeten. Excuse me, Sir? Would you be so kind to sign this? – Sure! – Awesome show tonight. – Oh, thank you.
So hat Madame also seinen Schriftzug auf dem Booklet und wir sitzen da auf einem dieser gemauerten Vorsprünge an der Halle und versuchen immer noch, uns zu fassen. Nach fünf Minuten kommt er, Peter Hayes, durch die Lücke zwischen Tourbus und Truck. Auf uns zu. Er ist auf der anderen Seite ausgestiegen, auf der Straßenseite. „Have they gone away?“, fragt er uns, und meint die Leute, die ein Foto mit ihm wollten. „Yeah, I think they’re gone, actually“, sage ich. Das hätte er auch vom Bus aus sehen können, daß die weg sind. Es scheint, als hätte er wenig Lust auf ein Foto gehabt.
Und so sitzen wir da, und vor uns steht Peter Hayes, und wir plaudern ein Minütchen. „It’s so good to have you back“, sage ich. „Please come back soon.“ – „Thank you!“ – Leicht überraschter Blick von ihm, etwas, das wie echte Dankbarkeit aussieht. Und als ich sage, daß ich, schließlich bin ich Untoter, „Robert’s dad“ mit The Call noch live gesehen habe, im Vorprogramm von irgendwem, daß ich mich aber for the life of Jehovah nicht mehr erinnern könne, für wen The Call damals als Support spielten, „maybe Iggy Pop or The Church“, sagt Peter, „Oh yeah? They toured with Chrissie Hynde… and The Pretenders…?“ – Nein, nie gesehen… – „Echo & The Bunnymen?“ – „Yeah, possibly!“
„Thank you guys for coming“, sagt Peter Hayes und schleicht auf demselben Weg zurück, den er gekommen ist.
Alles durchdringt Schmerz. Aber das Leben ist episch und großartig. Let The Day Begin.
Sometimes the silence is all we know, in every picture a fallen love Sometimes the light turns out to right all of these wrongs Sometimes the fallen are all we know, in every picture a silent home Sometimes the light turns out to shine with everyone
BRMC, „Sometimes The Light“, 2013.
Peter Hayes
Let The Day Begin Rival Red Eyes And Tears Hate The Taste Beat The Devil’s Tattoo Whatever Happened To My Rock ’n‘ Roll Ain’t No Easy Way Berlin 666 Conducer Returning Mercy (Robert Solo Acoustic) Devil’s Waitin‘ (Peter Solo Acoustic) Fire Walker Windows Conscience Killer Stop Love Burns Lullaby Funny Games Six Barrel Shotgun Spread Your Love
„Beat The Devil’s Tattoo“. Und genau das ist der Auftrag dieser gebeutelten Band. Diesen Sommer starb Robert Levon Beens Papa, der ex-Frontmann von The Call, der für BRMC als Soundmann arbeitete, kurz vor einem Festivalauftritt. Robert kniete mit seinem Bass und seinem Schmerz im Schlamm, überwältigt von der Bürde, gegen all die Verwünschung und Verdammnis anzugehen, gegen die der Sound der Band revoltiert. Auf „Beat The Devil’s Tattoo“ rauhbauziger denn je. Daß jetzt wie bei Velvet Underground eine Frau am Schlagzeug ist, paßt ja nur ins Bild. Aus einem glitzernden Schlitten mit Hochgeschwindigkeit ein Wrack machen, und sich dann den Staub aus den schwarzen Anziehsachen klopfen und weiterstiefeln, um im nächsten Gotta go do wrong die Unverwüstlichkeit zu prüfen.
[SPIEGEL ONLINE Forum 01/2011: Best of 2010]
Black Rebel Motorcycle Club, Markthalle Hamburg, 02.05.2010
Für mich bitte Beruhigungstee. Ich hatte zwar die Ahnung, daß die es einem so richtig besorgen, aber ich hatte nicht gewußt, was die darunter verstehen, es einem so richtig zu besorgen. Die spielen, bis keiner mehr steht. Drei Kreislaufkollapse im Orbit einer Armlänge um uns herum. Kolläpse? Man fühlte sich wie in einer Waschmaschine. Alles naß, alles drehte sich. Irgendwann mittendrin Robert Levon Been allein mit Dylans „Visions Of Johanna“. Bei „Ain’t No Easy Way“ dachte ich, toll, wir waren dabei, als die altehrwürdige Markthalle sich selbst zerlegte. Später dachte ich, ich müßte mal kurz raus und dem Bischof in der Dampflokomotive die Mitra vom Kopf hauen, aber dann dachte ich, solange Leah Shapiro, die neue Schlagzeugerin, noch nicht in den Stiefeln stirbt, werde ich das auch nicht tun. We don’t know where to stop. Nehmt sie wörtlich.
Das war Sex. Erscheinung und Musik von Danny „Lee Blackwell“ Rajan Billingsley und seinen 4 Mitstreitern, unter ihnen Supportmann Calvin Love, verwandelten das Molotow ins Roadhouse aka The Bang Bang Bar. Dieser Mister Danny Lee Blackwell Rajan Billingsley ist wahrscheinlich nicht geboren zum Superstar und das ist wahrscheinlich gut so, aber der psychedelisch-psychotische Aufruhr der Night Beats hat diese winzige Bühne quasi abgefackelt, was für ein Sound, nur der Herr weiß, wie man so glasklar und distinguiert so dirty sein kann. Wären Che Guevara und Quentin Tarantino eigentlich Brüder, wäre Danny Lee der dritte Bruder. Tropft schon nach fünf Minuten aus allen Rohren, behält aber stilecht den Hut auf. Auch Sam Thornton, der Bassist, trägt Texashut zu eisiger Coolness / Strangeness und sieht exakt so aus wie ein von David Lynch imaginierter Bassist. „Her Cold Cold Heart“ vom neuen Album „Myth Of A Man“ verlängert mir die Nacht, indes sogar der Merch-Man was murmelte von „das ist ihre Beste“ (zu „Who Sold My Generation“), implizite Kritik an „Myth Of A Man“ also. Mir egal. Die haben (oder Blackwell hat) in Nullkommanichts den Status erreicht, wo es kein Besser oder Schlechter mehr gibt, nur noch Mäandern. Hoffe nur, irgendein Line-Up stabilisiert sich. Vorzüglich dieses. Selten so erlebt, daß irgendwas in mir nach einer halben Stunde sagte, shit, in den Sixties werde ich Go-Go-Tänzerin.
Blackwell verehrt Dylan, zumal den lustvoll elektrifizierten der Mid-60s, die Night Beats haben „Obviously Five Believers“ von „Blonde On Blonde“ gecovert. Die manische Energie eines Dylan-Songs aus dieser Zeit, die durch sehr dunkle Seitengassen deliriert: das wäre so in etwa das Vorbereitungsprogramm für „No Cops“. Für das Video gibt es kein Vorbereitungsprogramm.
„Love Ain’t Strange (Everything Else Is)“ ist eh geschrieben an die Innenseite meines Schädels.
Auf „Vultures“ ist der mit Danny gut befreundete Robert Levon Been von Black Rebel Motorcycle Club zu hören.
Danny Lee Blackwell auf zwei Zeichnungen der brillanten Paula K. Völker (die von Black Rebel Motorcycle Club gebeten wurde, das Artwork für „Specter At The Feast“ zu gestalten). Für die Genehmigung Special Thanks to Special Paula K.
Aufgrund des gegen sie erhobenen Vorwurfs der Israelfeindlichkeit verzichtet Laurie Anderson auf die Pina Bausch-Professur an der Folkwang Universität der Künste in Essen.
und ein wichtiger Schritt der Künstlerin, um Deutschland auf dem Weg in die verblödete Provinzialität weiter zu unterstützen.
„Ich bin der festen Überzeugung, dass es nur eine einzige legitime Lehre des Holocaust gibt. Und das ist die absolute bedingungslose Verteidigung der Menschenrechte für alle. Punkt.“ – Deborah Feldman
Das Konzert beginnt eher mystisch mit „The Three Shadows – Part 1“ vom Bauhaus-Album „The Sky’s Gone Out“, Murphy mit Akustikgitarre und seinem very rare Bulgarian hat.
Band: Mark Gemini Thwaite, Gitarre, und Nick Lucero (ehemals bei QOTSA), Schlagzeug, die zusammen mit Paul Raven von Killing Joke gerade die Band Mob Research auf die Beine gestellt hatten – als Raven verstarb. Der Bassist ist nicht Jeff Schartoff, habe den Namen des Mannes, der an diesem Abend, offenbar recht kurzfristig eingesprungen, Bass und Violine spielt, nicht behalten, besitze aber jetzt ein Bassplektron von ihm.
Mit „Velocity Bird“ beginnt der Reigen der Songs von „Ninth“, der vielgerühmten, noch nicht genug gerühmten. Auch dabei: „I Spit Roses“. Bei den Aufnahmen zum wohl allerletzten Bauhaus-Album „Go Away White“ füllte sich der Mann den Mund mit Rosenblüten, als er ahnte, daß es zu einem der berüchtigten Bauhaus-Streitgespräche kommen würde. „Daniel said, ‚Peter we need to talk about …‘ ‚Pwah!‘ That’s my answer.“ Der Charmeur. So behauptet er denn auch heute, immer gern in Deutschland zu sein, so beautiful people hier, beautiful ladies, you’re really my kind, und blickt dabei natürlich wieder in sehr blaue Augen. Hält auch ein Schwätzchen auf Türkisch. Vor zwei Jahren sahen wir John Andrews in Murphys Band, heute durfte er mit seiner eigenen neuen Band Loudboy das Vorprogramm bestreiten, und natürlich schaute Murphy sozusagen im Vorbeigehen, als Murphy von nebenan, den anderen Hut hatte er noch auf, für einen Song vorbei („Pretty Bleak“). Und natürlich durfte John Andrews ein bißchen aufgeregt sein, als Murphy ihn für „Silent Hedges“ auf die Bühne holte. Man singt nicht jeden Tag einen Bauhaus-Song auf der Bühne von Ländern mit sehr fremdartigen Sprachen, auch wenn Andrews nach dem Konzert im Garderobengang Madame mit einem perfekten „Entschuldigung“ an ihren eigenen Satz erinnerte: „Ich mag dünn sein, aber ich beherrsche die Kunst des Im-Wege-Stehens.“ Doch ich schweife up.
„If you fall in love with me you’ll never fall out“, heißt es in einem Song auf „Ninth“, und wer seit „Bela Lugosi’s Dead“ im iridescent blue der Murphy-Welt verweilt, weiß: no lie. Er redet aus einem Traum in Gold und Simurghblau, verwandelt Gekritzel in Gemälde und weiß: the captain is sea. Von „Cascade“, dem Album, das er einmal als love drunk bezeichnete,
„Cascade handelt mehr vom Licht als vom Wasser. Das kaskadenartige Zwielicht, der Bereich der Kommunikation, der vor dem Bewußtsein versteckt ist. Viele Bilder stammen von liebestrunkener Poesie, die ich in der Türkei gelesen habe. Dieser mystische Ansatz des Islam, wie z.B. auf Wild Birds Flock To Me.“
gibt es „Disappearing“, „Subway“ und „I’ll Fall With Your Knife“, das neue „The Prince And Old Lady Shade“ ist live ein Killer, Mark Thwaites Gitarre läßt Trent Reznors „Hurt“, das Heilige, aus kaskadenartigem Zwielicht kommen, bei „In The Flat Field“ ist er wieder da, der Hochgeschwindigkeitsvogel eines unsichtbaren Sterns. Jedes Mal, wenn der Mann in deine Nähe kommt oder dich ansieht, bist du überzeugt, Charisma wurde am 11.7.1957 geboren. Wir erreichen den Punkt, an dem Butterfly-Bela (Ulf Kubanke, laut.de) die Saturnwürfel wirft: „A Strange Kind Of Love“, das er, wie schon vor zwei Jahren, am Ende in „Bela Lugosi’s Dead“ übergehen läßt, und „Marlene Dietrich’s Favourite Poem“: zum Zusammenbrechen.
Es gibt zwei Zugaben, „All We Ever Wanted Was Everything“ ist dabei und, ah Himmelsplünderer, „Ziggy Stardust“, und dann muß man, als das Licht wieder an ist, irgendwie unzurechnungsfähig auf Ansprache reagieren. Das tat ich, als ich in der Bar des Knust das Murphy-Tourposter vom dafür vorgesehenen und mit viel Tesafilm geschützten Platz abzureißen begann, um es als Beutestück # 2 mitzunehmen, bis ein wackerer Knappe des Knust schließlich kam und fragte: „Eh, was macht ihr denn da!“ Ich sagte: „Wir hätten das gern“, drehte mich wieder um und machte weiter.
Spuck Rosen und danke dem Boot, von dem du glaubtest, es sinkt.
„Wenn es etwas zu entdecken gibt, dann wird es dich entdecken, einfach dadurch, daß es da ist.“ (Peter Murphy)
Give peace to each thing you see. Reject the junk. Pwah.
Jetzt, wo ich gerade beschlossen hatte, mich in eines der verrufeneren Hotelzimmer von Buenos Aires einzumieten, um nächtelang alte Horrorfilme zu schauen und deren Poesie als Antidot gegen die beschränkten Wirklichkeitsmodelle zu nutzen, während nebenan eine der luxuriösen Schildwachen vernehmbar ihr Geld verdient, die flirrende Hitze wird flirren, daß es nur so ein Jalousienrunterlassen ist, ich inkorporiere Tangotexte und entferne mich von systemstabilisierender Verblödungsarbeit, Dorothy Lamour singt „Sentimental Sandwich“ und ich kriege langsam ein wenig Hunger. 100 Tage entfernt von hier kommt ein Schiff.
SPIEGEL ONLINE Forum
02.12.2008
Gutter Twins – Saturnalia
Mark Lanegan und Greg Dulli hausen in dem Keller, in dem Rowland S. Howard mit These Immortal Souls hauste. Düsterer, rauher, weißer Blues, voll der hundertmal zerfledderten Zärtlichkeit, die man nur auf verbrannter Erde fühlen kann. „All Misery/Flowers“ fängt mit dem Drumbeat an, der auch U2’s „Trip Through Your Wires“ eröffnet, dann kommt Lanegans Stimme und macht daraus Stadionrock für Satans Stadion, nach der ersten Strophe ein Sound wie von einem riesigen prähistorischen Vogel, weit da oben, aber nicht mehr lange. Eine Million Zigaretten später nagelt dich „Idle Hands“ ans Kreuz, und von da aus siehst du zu, wie hier alles ominös aus irgendeinem Dunkel kriecht, um Oden an den Herzbruch zu veredeln. Beste Platte, wenn du von Bruder, Schwester, Vater, Mutter, der Liebsten und schließlich allen guten Geistern verlassen bist. In dieser Reihenfolge.
22.01.2009
The end could be soon, we’d better rent a room. Mark Lanegan, zur Hölle. Diese Stimme läßt jeden Pfirsichsonnensatelliten fallen, diese Stimme, diese Stimme.
17.07.2009
The Gutter Twins – An Evening with Greg Dulli and Mark Lanegan, Stage Club Hamburg, 16.07.2009
@ kuechenchef, kpone, Motorpsycho: preaching to the perverted also. Morgen abend werden wir bei U2 im Berliner Olympiastadion sein, und ich dachte, das wird die surreale Sache.
Aber nein. Es war surreal, plötzlich drei Meter entfernt von Greg Dulli und Mark Lanegan zu sein (der Stage Club HH ist für vielleicht 500 Leute). Bei „Saturnalia“ mußte ich mich sozusagen erstmal durch Lanegan durchhören zu Dulli und die von ihm dominierten Songs, live erlebe ich das anders. Dulli ist leutseliger, quasi the life of the party. Lanegan ist komplett ainigmatikós. Schwer zu beschreiben, was für eine Faszination von dem ausgeht. Mit seinen entweder zugekniffenen oder seltsam unfokussierten Augen scheint er like a blind man, aber ihm entgeht nichts, nur ist nicht ganz klar, ob das, was ihm nicht entgeht, auch auf diesem Planeten stattfindet. Ein Techniker ist er auch nicht. Er schaffte es weder, das Lämpchen über seinem Textblattständer zu justieren, noch Dullis Mundharmonikahalter zurechtzuruckeln, der fiel nach Lanegans Versuch während des Songs dann Dulli völlig vom Hals. – Drei Stühle (ein zusätzlicher Gitarrist), Dulli wechselt bei einigen Songs von seiner Akustikgitarre ans Piano, Lanegan sitzt stoisch auf seinem Platz, wirkt keineswegs grimmig, beinahe aufgeräumt, aber unendlich verloren. Dulli bester Laune, ursympathisch, übernimmt die Interaktion mit dem Publikum, Lanegan lächelt zuweilen ein völlig seltsames Lächeln, man hat keine Ahnung, worüber, ansonsten ist er einfach konzentriert, nur seine tätowierten Hände ruhen nie, flirren die ganze Zeit den Takt aufs Bein. Also kurz, es war in etwa das intimste, aber zugleich eins der intensivsten Konzerte, das ich je sah. Setlist ging quer durch Afghan Whigs, Screaming Trees, Gutter Twins, versteht sich, daß die Songs von den Lanegan-Soloplatten mir am meisten Boden unter den Füßen wegzogen: „Creeping Coastline Of Lights“, „Resurrection Song“, „The River Rise“ und vor allem „One Hundred Days“.
09.05.2010
Wenn er sich zwischen den Songs bewegt: als ob er hinkt, einen Buckel hat und Zuckungen, blind ist und mindestens halbirr. Und dann ergreift er den Mikroständer, mit immer derselben Pose, er ergreift den Mikroständer und wird Gott. Die Stimme wird Gott, der zuviel gesehen und erlebt hat, und der doch, das ist die Ausgießung seiner Gnade, Bilder findet für die unzerstörbare Schönheit, an der er sich festhält, um nicht das ganze Universum mit sich zu reißen.
02.01.2011
Isobel Campbell / Mark Lanegan: Nuff said über den Zauber dieser Kollaboration. Live stellte sich wieder heraus, daß The Beauty manchmal etwas kauzig dasteht, während The Beast großzügig den Raum mit seiner inneren Schönheit flutet.
Böse zu- und ausgerichtet, mit dem linken Bein zuerst aufgestanden, unwiderstehlich, wie die Strandräuber bei Lautréamont, die mit ernster Miene irgendwas über die Gespenster mit den großen schwarzen Flügeln erzählen:
10.10.2010
Bellringer Blues. Verleiht einem in den ersten 30 Sekunden das Gefühl, mit den Ohren eines betrunkenen Pferdes zu hören.
14.10.2010
Mein Kandidat für den Literaturnobelpreis 2020.
22.10.2010
Grinderman Live Docks Hamburg 21.10.2010
„Palaces Of Montezuma“ ist ja von der Schönheit, die nur Cave inmitten surrealer Bösartigkeit so zu schaffen weiß, ich kann nicht beschreiben, warum mich aber gerade der Backgroundgesang von Ellis und Sclavunos bei diesem Song so rührt. – Gestern also live, trotz Erkältungs-Brummschädel, aber der Indolenzverwalter kommt noch früh genug. Es ist mir unverständlich, wie man bei dieser Musik, zumal im Konzert, nicht komplett die Motten kriegt. Cave sieht irgendwie jünger aus als in den letzten Jahren, das liegt nicht am makellosen Bond Street-Anzug und auch nicht daran, daß seine drei Mitschinder des schmeichelnden Wohllauts wirken wie drei rettungslos durchgeknallte Propheten aus dem Altem Testament. Warren Ellis muß man live gesehen haben, das läßt sich nicht beschreiben. „You know, they used to burn men like you alive.“ („From Hell“). Der Mann ist besessen, Pazuzu & Co bilden eine Wohngemeinschaft in dem Mann, wilder Blick und Bewegungsrepertoire direkt aus „Ich sage euch, ganz Babylon wird sich erheben und eine dreiköpfige Schlange, und es wird im ganzen Land ein Scheuern und Schleifen, ein Reiben und Schubbern von aneinanderklebenden Teilen geben! Diese Teile werden wieder auseinanderfallen! Und das Schwert wird schwingen über allen elenden Sündern, und das Horn soll auf dem Haupt sein, und es hat neun Spitzen. Und das Schwert wird alles enthaupten, zack und zack und zack…“ Zack und zack und zack, und der Katze noch auf den Schwanz treten, und hier noch draufhauen, und sich noch am Boden winden und „Evil!“ brüllen, und noch mit der Violine fuchteln und alle Verantwortlichkeit von sich weisen. Jim Sclavunos hatte Geburtstag, und es gab „(I Don’t Need You To) Set Me Free“ von Grinderman 1 als Publikums-Sonderwunsch, bislang noch nicht gespielt auf der Tour. Teuflisch, insane, und gerade darum so reinigend.
05.06.2012
Mein schönstes Serienerlebnis.
For me to hold echo loop like some kind of cosmic background radiation
Hour of Goon mit Jeordie White (a.k.a. Twiggy Ramirez) und Fred Sablan: der beste Podcast ever. Zwischen Januar 2016 und September 2017 entstehen 84 Folgen. Manchmal gibt es Gäste, Shirley Manson, Eric Avery, Josh Freese und Peter Hook schauen vorbei, in der Folge „Dark Side of the Jumpsuit“ ist es Jeff Hilliard, der den Gastgebern und uns die Bedeutung der Fuck Yeah Zone erklärt.
2022 schreibt Jeordie zusammen mit Hilliard den Song „Abandon“, spielt zudem Gitarre und Bass. Eine virtuose 80s-Metal-Powerballaden-Parodie, absolut hilarious der Songtext und das Video.
Auf Spotify sind noch alle Folgen von Hour of Goon zu hören.
Das Cabinet des Christian Erdmann 